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Un blog para los amantes del cine y para aquellos que pretenden serlo, porque cada post es una ventana a múltiples informaciones, como biografías, filmografías y contenidos teóricos sobre cine, dejando claro que sólo somos un keyblog, una llave, un hola a las nuevas producciones.

domingo, 13 de junio de 2010

Entrevistamos a Samuel Alarcón, director de "La ciudad de los signos"



La figura del joven realizador madrileño Samuel Alarcón se erige como una de las apuestas más firmes en lo que concierne al cine documental contemporáneo. Su último trabajo, La ciudad de los signos, supone un encuentro personal con el trabajo del director italiano Roberto Rossellini. Un proyecto ambicioso donde se atiende al espacio como el cauce vital y narrativo del film. Un viaje inusitado, con influjos del videoarte, por las localizaciones que dieron títulos tan emblemáticos y significativos como Roma, cittá aperta, Stromboli o Paisá y a las que Samuel Alarcón se ha acercado bajo la premisa de seguir desterrando nuevos significados, aún hoy latentes, que posibiliten en definitiva conocer en profundidad la mentalidad del genio italiano.

Un trabajo que ha sido reconocido el pasado año con el premio del público en el Festival Documenta Madrid, y con una mención especial dentro del Festival Alcances de Cádiz. Actualmente la cinta se ha proyectado en multitud de certámenes nacionales e internacionales, tales como la Muestra de cine de Cataluña, el Festival de cine pobre de Cuba o el Festival internacional de cine de Athens en EE.UU, y hace pocos días conocíamos la noticia de que también se podrá ver, durante la primera quincena de julio, en uno de los escenarios recuperados por Samuel para el film: la isla de Ischia. Nosotros hemos querido conocer su trabajo mediante las palabras del propio realizador en una entrevista personal, rica en detalles, en la que además se avanzan sus nuevos proyectos.

P.- La ciudad de los signos supone un encuentro y un homenaje personal al cine de Rossellini, ¿qué ha supuesto el neorrealismo para el desarrollo como director de Samuel Alarcón?

R.-
El Neorrealismo ha sido para mí el movimiento cinematográfico que me ha reencontrado con una manera de hacer cine que en la actualidad no es la más popular. Es una forma de hacer cine que utiliza localizaciones naturales, y esto significa (aunque se empezó a hacer por econonomía de medios) que para no tener que construir decorados, simplemente se tiraba con lo que existía. Había necesidad y se empezó a hacer cine de esta manera. Supuso un compromiso con la geografía del lugar, el espacio en el que están integrados los personajes. Un compromiso que hace que todavía podamos ver parte de ese encuentro visitando esos lugares. En el caso de películas rodadas en Italia neorrealistas, todavía puedes visitar los pueblos, las plazas o las calles en las que rodaron secuencias. porque fueron propiamente las mismas calles. Por eso es tan importante para mí el neorrealismo.

P.- Buscar las localizaciones donde Rossellini encumbró un movimiento (además de conseguir los permisos de rodaje pertinentes); si sumamos a esto el desplazamiento de todo un equipo a diferentes puntos de Italia, se antoja como una aventura, acompañada además de una planificación dura y minuciosa, ¿qué fue lo más duro a la hora de afrontar el proyecto?

R.-
El equipo que yo usaba era muy pequeño. Entonces, a la hora de ir a esos espacios en la mayoría no había problemas porque eran en vía pública, y en muchos casos ni siquiera rodaba plantando un trípode; de manera que ni siquiera pedía permisos en algunos casos. La labor más complicada, más que a nivel burocrático (que eso ha sido lo de menos ya que estaba becado por la academia de España y me respaldaba la embajada de España en este rodaje, y que me permitía tener un empuje y un soporte para poder pedir estos permisos y que no hubiera problema), lo más complicado fue encontrar los lugares; fue estudiar las películas. Bueno, complicado; pero lo más interesante y lo más divertido, porque fue donde realmente disfruté el trabajo y donde pensé que podía seguir un poquito más lejos.

Fue, pues imagínate, verte una serie de películas que te interesan, ver cómo está vinculado el espacio a los personajes, ir al lugar donde crees que está y, con la referencia de película en un mp4 o en una cámara de fotos, buscar esos lugares: fue una aventura. En muchos casos tardé poco en encontrarlo porque era muy reconocible; pero en otros casos que no había referentes arquitectónicos sino plantas, edificios y puntos de vista, pues fue una auténtica aventura. Como por ejemplo subiendo al cráter de Stromboli, localizar algunos puntos de vista de la isla por los caminos que son de tierra sin ningún hito ni ninguna referencia, pues fue complicado. Es un rodaje atípico el de esta película, por lo que se cuenta, pero desde luego fue muy interesante

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P.- Ha pasado un año prácticamente de la presentación oficial que llevásteis a cabo en el Café Galdos de La ciudad de los Signos, enmarcado dentro del quinto encuentro del Festival de Cine de Madrid, organizado por la Plataforma de nuevos realizadores PNR. En abril presentaste tu trabajo en la Muestra de cine de Cataluña y más recientemente en EE.UU, Polonia, y Argentina , lo que nos permite pensar en la buena acogida que está teniendo tu cinta a nivel internacional, ¿consideras que parte de culpa la tiene el atractivo de haberte acercado de esta forma a la obra del genio italiano?

R.-
Yo era muy consciente de que cuando tocas a un personaje cultural-histórico importante, estás jugando con fuego. Entonces quise acercarme a la figura de Rosselini con mucho respeto. En primer lugar conocía a su familia por veces que nos hemos encontrado en actos. Yo he sido muy seguidor de todo lo que se ha hecho de Rosselini tanto en Italia como en España y, una vez allí, le hablé a la familia del proyecto, sobre todo al hijo mayor, y con el beneplácito de la familia yo me puse a trabajar en este proyecto. La familia me apoyo y me dio el respaldo así como algunos contactos a los que recurrir para encontrar muchas localizaciones. Yo me ‘aproveche’, digamos, de la figura de Rosselini para que al llegar a los festivales se viese que había hecho una película en la que he trabajado con su figura y, supongo, lo que ha llamado la atención es la reformulación, el uso, el trabajo con sus películas y con lo que nosotros rodamos. Aún así, creo que por desgracia en muchos festivales son pocas las veces que tienes capacidad de llegada si no se produce un efecto de “bola de nieve”, con la presencia en otros festivales o bien con los premios. Aún así creo que la figura de Rosselini interesa aunque sólo sea porque te suene

P.- Dijiste en su momento que “La ciudad de los signos busca revalorizar las películas a través de los espacios donde fueron rodadas”, ¿no crees que generaste, sin quererlo, una nueva corriente cinematográfica, un falso documental bajo un prisma diferente, una perspectiva no desarrollada hasta ahora en el séptimo arte?

R.-
Antes de comenzar La ciudad de los signos, tuve la suerte de coincidir con un ciclo que la Filmoteca organizó a Rosselini. El caso es que se hicieron proyecciones no sólo de sus películas, sino de todos los documentales que se habían hecho sobre él. Entonces había varios que se acercaban a las localizaciones en las que Rosselini había rodado Roma cittá aperta y retomaba a los propios actores que habían trabajdo con él. Las películas eran de reencuentro de localizaciones. Lo mismo ocurría en las películas que se rodaron en la costiera amalfitana, allí había una serie de películas y documentales hechos sobre los recuerdos que tiene la gente que trabajó con él. Pero yo lo que quería hacer distinto a esto y, por lo que me embarqué en la película (porque si hubiera sido algo que ya hubiera estado hecho sobre Rosselini no lo hubiera abarcado de esa manera), fue que los descendientes de estas películas hoy en día pueden hablar diciendo lo que recuerdan, pero a mí me interesaba que hablará quién ya no puede hablar y que hablará la película en sí misma, pero revalorizada con el encuentro con el espacio.

Decir que he inaugurado un nuevo género cinematográfico no, porque el cine documental y sobre todo el cine que se aparta de la ficción tiene unas formas muy distintas y muy mutantes, y cada película puede inaugurar un género porque no hay unas normas preestablecidas. El falso documental tiene unas normas establecidas, y yo comencé a desarrollar un argumento (que luego no cumplí). Empezar a sacar testimonios en los que la gente miente, tratar todo como si fuera verdad pero siempre dejar una pista de que todo es mentira, digamos que es el decálogo de normas del falso documental. Tenemos muchos ejemplos donde se hace ésto y que siempre se reconoce que es una mentira, pero a su debido momento. Está más cerca mi película quizá del documental cientfico que del falso documental, lo único es que he teñido este cine ensayo (en el que tú simplemente ensayas, desarrollas argumentos y teorías en base a hechos sirviéndote del lenguaje audiovisual, de las imágenes, palabras o fotografías), como decía he teñido todo esto con algunas herramientas del lenguaje del videoarte y del falso documental. Pero para sumarle complejidad, creo que el tema era tan grande que no me quedaba satisfecho abarcándolo sólo desde un género, y por eso he metido muchas más cosas para intentar darle la complejidad de punto de vista de análisis que creo que merecía el tema. El resultado, al final de todo esto, pues creo que es una película rica por este hincapié que he hecho yo en que sea abordada desde tanto puntos de vista, pero no sabría decir lo que inaugura o lo que no.

P.- En el film haces uso, además de tu propio material, de escenas extraídas de películas anteriores que, como dices, acercas con ello dos formatos, varias visiones de dos realizadores que coinciden hoy en el tiempo. Una vez visto el montaje final e incluso por qué no, durante el rodaje, ¿llegaste a entender en profundidad la mentalidad como director de Roberto Rossellini?

R.-
Por supuesto. Este trabajo ha sido un proceso de aprendizaje de cómo rodaba Rosselini, de cómo pensaba; de qué quería él transmitir como comunicador. Si yo llegara a entender a Rosselini no podría haber comenzado a hacer nada. De hecho fue el entender a Rosselini lo que hizo plantearme hacer una película sobre él. Fue llegar a los lugares y entender cómo él había trabajdo con el espacio, me dijo lo que podría estar pensando en ese momento. Por eso yo he hecho un análisis de sus películas desde el punto de vista vital de él, teniendo en cuenta su biografía. Las circunstancias del rodaje creo que en Rosselini son fundamentales porque, al contrario que en otros directores, él deja que los azares de rodaje, las cosas que le están pasando y cómo se encuentra él, influyan en la película que va a salir; y siempre sobre una inquietud general que creo que le domina en estos años. Por eso creo que ha sido desde el principio un entendimiento de su cine y por lo menos bajo mi punto de vista, y quién quiera ver la película ahí está lo que yo argumento sobre lo que tiene su cine. Es un intentar abrir otras vías de exploración a Rosselini, intentando que la vertiente fenomenológica (...) Siempre se dice de Rosselini que es un director devotamente creyente, yo no estoy tan de acuerdo con eso y sobre todo es por ese lado por el que he querido abordar al personaje.

P.- ¿Qué nos puedes adelantar en relación a tus nuevos proyectos?

R.-
Este género, que dices que es un tanto inusual, me gustaría desarrollarlo en otra película que hablara sobre los tesoros en las historias; la búsqueda de tesoros tanto en la literatura como en el cine: qué es exacamente el tesoro como objeto de deseo, qué es el esfuerzo humano en la búsqueda del tesoro como se considera y, sobre todo, a través de autores como Stevenson, autor de La isla del tesoro o B. Traven en El tesoro de sierra madre. Un poco abarcar lo que es la esencia de la búsqueda del tesoro en la literatura en una película de ensayo
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lunes, 10 de mayo de 2010

El resurgimiento de la comedia romántica


Llega un momento en que muchos cortometrajistas se la juegan dando un salto cuantitivo con miras de encuadrar su cine hacia el largometraje. Desde luego no es tarea sencilla y requiere de una auténtica reconversión donde el enfoque y la planificación utilizados hasta ese momento cambia de forma significativa; de rodar normalmente metrajes que no exceden de veinte minutos se pasa a filmar producciones que, como mínimo, duran hora y media. Borja Cobeaga supone un ejemplo de avezado director de cortos, a quien el cambio al mundo del largo le ha sentado bien; un auténtico camaleón que tras el éxito obtenido con Pagafantas, anunció hace unos días que este próximo verano iniciaría su segundo trabajo bajo el mismo formato. No controles pretende constatar la firme pisada que ha dado el director vasco hacia la cinta de larga duración.

Y para nada pretende dar un paso en falso. De momento se quiere guardar las espaldas con un reparto de lujo encabezado por Unax Ugalde, recientemente premiado con la biznaga de plata al mejor actor en la pasada edición del Festival de Málaga por el drama Bon Appetit del realizador David Pinillos. El resto del reparto lo completan Alexandra Jiménez, Miguel Ángel Muñoz y Mariví Bilbao, entre otros.

El reconocimiento que obtuvo por el corto Eramos pocos, supuso para Cobeaga no sólo el impulso definitivo para dar comienzo a una próspera carrera; sino el poder estar seleccionado y aspirar a un Óscar dentro de su categoría. Muchos consideraban que con el cambio de formato, Pagafantas iría a engrosar la lista de los peores productos cinematográficos facturados el pasado año pero, craso error, esta comedia romántica (sutilmente lanzada en un momento en que además el contexto le era propicio para obtener una buena taquilla) consiguió no sólo situarse como la cuarta película más vista en el primer fin de semana (detrás de producciones como Ice Age 3 o Transformer 2); sino lograr una recaudación final de cuatro millones de euros.

Ahora pretende buscar de nuevo la complicidad del público con una comedia romántica cuyo argumento se desarrolla en las instalaciones de un aeropuerto cerrado por nieve el mismo día de Nochevieja; es por eso que el realizador quiera aprovechar y lanzar el film en Navidades. Euskal Telebista de momento se encarga de la producción, y ya se ha convocado en Bilbao el primer casting para buscar extras.
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domingo, 9 de mayo de 2010

Rebollo recupera a José Sacristán en su próxima película


Proviene del mundo del cortometraje, ahora las películas de Javier Rebollo suponen un revulsivo en el panorama cinematográfica actual: muchos lo consideran un genio, un salvador patrio; otros lo tildan de prepotente, pretencioso e irrespetuoso. Hace apenas unos meses estrenaba La mujer sin piano (previo paso por San Sebastián donde obtuvo la Concha de Plata como mejor director, su segundo largo tras Lo que sé de Lola) y los ecos de las voces duras, críticas, aletargadas y minimizadas desde esta primera película resurgieron para crear controversia sobre lo que parecía una filmografía prolífica e intocable; una fortaleza a la que ningún intrépido se atrevería a usurpar. Ahora, desde Argentina, nos llegan noticias sobre el nuevo trabajo en el que está sumergido el realizador madrileño, El muerto; que contará con la participación de José Sacristán, quién dará vida a un asesino a sueldo que huye de la justicia.

Lola Mayo conforma, junto a Javier Rebollo, un tandém único desde hace años. Una amistad fraguada desde sus primeros trabajos en la televisión autonómica de Madrid. La productora y coguionista de la mayoría de los trabajos del realizador ha sabido suministrar a los personajes un carácter propio mediante diálogos que, aunque en principio se presentan como cotidianos e intrascendentales, presentan una carga poética capaz de alcanzar un nuevo nivel de interpretación.

Argentina ha sido el lugar elegido para el rodaje, tras haberse quedado prendidos de la belleza del lugar durante una visita realizada por motivos familiares, según las palabras de Lola. Ella misma nos adelanta que aún falta un año para iniciar el rodaje, pero las labores de localización para ambientar esta particular road-movie están ya en marcha. Por otra parte, destaca el método de trabajo que suelen llevar a cabo de cara a la preproducción: adecuar el plan de rodaje a puros criterios sentimentales y estéticos. Ruedan en espacios que tienen una conexión emocional muy fuerte tanto para Lola como para Javier.

Sin duda, el aliciente de contar con José Sacristán encarnando un personaje que encierra misticismo y rechazo a partes iguales, supone una propuesta atractiva y tentadora,teniendo en cuenta, además, que el intérprete no ha vuelto a la gran pantalla
hasta hace muy poco tras un largo periodo de inactividad, gracias a Laura Maña con La vida empieza hoy. De momento ( hasta lo que se ha podido saber), Rosana Blanco, actriz de origen uruguayo, completa un reparto del que, a buen seguro, se irán añadiendo más nombres conforme avance la producción.

De momento, mientras sitúan las localizaciones conforme las exigencias del guión, viven en la incertidumbre absoluta (como tantos otros realizadores) de poder conseguir las ayudas económicas que concede cada año el ICAA; a las que cada vez el acceso es más limitad (y con la futura Ley del Cine más), para quienes apuestan por producciones independientes. Por otra parte, la producción de la película correrá a cuenta de
Lolita Films, empresa creada por Javier y Lola.
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Zannou, en pleno rodaje de "La puerta de no retorno"


Resulta duro (y desde luego se antoja como una aventura arriesgada) abandonar durante 35 años tu casa, tu familia, tus costumbres para aterrizar sobre lo desconocido, en un país en el que te aseguran un futuro mejor pero que, a buen seguro, no vaya más allá que un sueño idealizado, sin base ni fondo donde, a cada paso, la lucha por la supervivencia se convierte en tu nuevo acompañante. Tras este periplo retornas a tu lugar, con la mente repleta de recuerdos y un saco de buenas esperanzas ganado a pulso durante este tiempo, capaz de alimentar el inminente reencuentro con aquello que dejaste atrás. Así ha sido la historia del padre de Santiago Zannou (El truco del manco), a quien el director toma como referencia en su nueva película La puerta de no retorno, a caballo entre el drama social con claros tintes biográficos-documentales. Con ella nos pretende acercar la dura batalla que miles de inmigrantes libran cada día con un destino incierto.

Desde el 16 de abril la película está en pleno rodaje. Benin es el punto de arranque de la historia que acontece a Alphonse Zannou; país en el que, además, se encuentran la mayoría de localizaciones previstas durante la producción. Este pequeño estado del África Occidental, limítrofe con Togo y Burkina Faso, supone algo más que el origen de la nueva película del novel director, significa dar luz a preguntas sin respuesta que atormentan desde pequeño a Santiago, sobre el enigma concerniente a la figura de su padre: “Gracias a la película he ido raspando en mi padre y lo que no he podido conocer en el rol de hijo a padre lo estoy consiguiendo de director a actor”.

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El truco del manco supuso el descubrimiento como director de Santiago Zannou, a quien la Academia premió en 2008 con la mejor dirección novel. Un film que navega en el mar del optimismo circundado por una más que palpable realidad hostil, que acecha en cada rincón sin dar tregua, contra la que el protagonista (Juan Manuel Montilla, El Langui ), un parapléjico amante del rap que sueña con crear su propio estudio de grabación, deberá enfrentarse.

Woulfrank Zannou, hermano del director, contribuye de nuevo con sus creaciones musicales a generar ambientes que envuelvan con efectividad la historia del film, haciendo uso, para ello, de la fusión de ritmos africanos con música electrónica. Shankara Films y Dokia Films encabezan esta coproducción, con la colaboración de Canal + y la Televisión de Catalunya. Por otra parte, a nivel de distribución, repite AltaFilms

Sin duda la expectación es máxima ante este nuevo trabajo que ahonda en un tema tan de actualidad como profundamente delicado, una apuesta que servirá para despejar dudas sobre la consagración de Zannou como nuevo exponente del cine nacional más comprometido socialmente.
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martes, 4 de mayo de 2010

Fernando León ultima “Amador”


Fernando León de Aranoa ha guardado durante cinco años el silencio más largo de su carrera para sumergirse en la difícil tarea de superar el éxito obtenido con sus anteriores películas: Familia, Barrio, Los lunes al sol y Princesas. Y pretende hacerlo con Amador, un nuevo drama social con tintes de comedia, el género con el que ha logrado lo impensable: que el público recomiende a sus allegados ir al cine a ver una película española y que gran parte de la crítica, aún así, no esté de su lado.

Y es que muchos no comprenden que un director de origen acomodado escriba, dirija e incluso produzca películas sobre barrios marginales, parados y prostitutas y encuentran, cierto es que sin mucha dificultad, escenas inverosímiles que no terminan de armonizar con el drama social. Pero a pesar de las críticas, Fernando León vuelve con una historia que aborda una realidad común en España: el cuidado de ancianos por parte de inmigrantes que viven, y conviven, con personas que ya no pueden valerse por sí mismas.

Dura tarea que en la ficción desempeñará Marcela, una mujer joven y en apuros económicos que pasará el verano junto a Amador, un anciano que, como ella, oculta un gran secreto. Poco a poco, la creciente confianza entre ambos les conducirá a la confesión mutua de sus respectivos secretos, al tiempo que un repentino suceso pone a Marcela al borde de un difícil dilema moral. Un guión que, según Aranoa, habla “del complicado dilema que plantea a diario la supervivencia, entre actuar como nos exige la conciencia o como impone la necesidad. De la vida y de la muerte, que en esta historia comparten habitación: un pequeño dormitorio en la periferia de cualquier ciudad. Y también de lo que sucede entre una y otra, y quizá da sentido a las dos: el amor”.

Y entre tanto dilema, un gran reparto. En la piel de Amador se meterá Celso Bugallo (Mar Adentro), quien no dudó en abandonar las tablas una vez más para trabajar a las órdenes de un gran director; y Magaly Solier, la actriz peruana reconocida internacionalmente por su papel de Fausta en La teta asustada, quien publicó, unos días antes de iniciar el rodaje de Amador, su doble ilusión por ser parte de un proyecto de Fernando León y por grabar, además, su primera película en el extranjero.

Cuatro meses de trabajo repartidos entre localizaciones de Madrid y Barcelona que se desarrollaron entre agosto y noviembre de 2009 y que dejaron a todo el equipo exhausto, incluida Magaly, que publicó una vez más sus impresiones: “después de cerca de cuatro meses de rodaje, Fernando León de Aranoa terminó Amador, y yo terminé...muy cansada, muy cansada. Regresé a Lima el 11 de noviembre, sin mucho tiempo para readaptarme al horario, comida, bulla y demás”.

La película, que actualmente se encuentra en fase de postproducción, es el resultado de la unión entre Mediapro y Reposado, la productora que el director madrileño fundó en 2005 para su multipremiada Princesas, y su estreno en España está previsto para el 24 de septiembre.

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domingo, 2 de mayo de 2010

Almodóvar, más cerca de su “piel”


Pedro Almodóvar ha declarado en más de una ocasión que su película más importante es siempre la próxima, juicio que, de ser cierto, convertiría su futuro trabajo en el más significativo de toda su carrera. La piel que habito lleva años siendo lo próximo del director manchego, un guión que ha quedado relegado en tres ocasiones: por La mala educación, por Volver y por Los abrazos rotos. Ahora, después de un sin fin de borradores, parece que el guión va cobrando su forma definitiva y empieza a sonar, ahora sí, como la próxima película de Pedro.

Sin argumento preciso ni reparto confirmado, para componer la idea principal de lo que en Internet se conoce como “proyecto Tarántula”, no queda otra que reconstruir las declaraciones que Almodóvar ha ido esparciendo en la recogida de sus periódicos galardones. Entre ellas, unas muy antiguas pero reveladoras, las que el oscarizado director pronunció en la entrega de los premios de la Academia del Cine Europeo de 2006, donde fue el máximo protagonista alzándose con cinco estatuillas por Volver: "Mi próxima película será dura, complicada, nada analgésica, dirigida a un público menor, de las que incomodan y, justo por esta razón, no suelen ganar muchos premios" y girará en torno a una historia “durísima, de venganza, con chicos y chicas, con situaciones incómodas y un personaje muy diabólico que me está costando ponerme en su piel”. Una idea que en principio no parece alejarse de la esencia de su cine, aunque el director declarase también que el proyecto no tiene nada en común con sus anteriores trabajos y que se trata de “un material mucho más nuevo”.

Si una fotografía tomada en una playa de Lanzarote por el propio director junto a unas noches de jaquecas dieron lugar al guión de Los abrazos rotos, el origen de La piel que habito no es otro que la novela Tarántula de Thierry Jonquet, uno de los autores del género negro más prestigiosos de Francia. Un libro que se adapta muy bien al perfil de nuestro director más internacional, la historia de un cirujano plástico, Richard Lafargue, que emprenderá una brutal venganza contra el hombre que ha violado a su hija, Viviane, sometiéndole a una operación de cambio de sexo para que éste sufra tanto como su primogénita. Unos personajes muy atractivos que el director quiere ver interpretados por Penélope Cruz, cuya presencia ya está confirmada; y por Antonio Banderas, con el que ya trabajó en Laberinto de pasiones, Matador, La ley del deseo, Mujeres al borde de un ataque de nervios y Átame, que daría vida al cirujano, una participación que acaba de confirmarse.

Sin sinopsis oficial ni, obviamente, fecha de estreno, los incondicionales de Pedro tendrán que conformarse con la sugerente descripción que el director ha hecho de la posible primera escena del filme: “una mujer desnuda, sin ningún pelo en su cuerpo, parada sobre su cabeza. El fondo sería una pared llena de simbolismos que serán revelados después”.

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Wenders reclama su trono perdido


El director alemán prepara su reaparición en la gran pantalla con un nuevo thriller, cuyo título lleva por nombre La sopa de miso. Se trata de una adaptación de la novela del prestigioso escritor japonés Ryu Murakami, maestro del thriller psicológico. Con este trabajo (que se encuentra en estos momentos en preproducción), Wim Wenders pretende retornar a la credibilidad, aventurándose en un género del que llegó a obtener grandes elogios gracias a El amigo americano o El final de la violencia.

Una credibilidad nula a tenor de la producción que le ha acompañado en estos últimos años plagada, irrevocablemente, por la más pura ingenuidad, el desaliño y la pobreza narrativa, así lo atestiguan El hotel del millón de dólares o la malograda Tierra de abundancia. No es de extrañar que cuando se sabe que el realizador alemán se encuentra metido en un nuevo proyecto, salten las alarmas (e incluso sarpullidos) en algunos sectores de la crítica especializada. Su obra es considerada para muchos como pretenciosa, amén de sobrecargada y preciosista. Un intento repetido y frustado para profundizar, sin escapar de la mediocridad.

Sin embargo, su labor como documentalista le ha hecho merecedor de un respeto generalizado por parte de los críticos, sin que puedan tomar represalias ante unas obras que desbordan cercanía y lucidez. Siendo capaz, por ejemplo, de inmiscuirse y empaparse de las raíces de la música cubana con la ayuda de Compay Segundo para, a continuación, plasmar su aroma de forma vehemente con Buena Vista Social Club; o reunir en 1982 a parte de los representantes del Nuevo cine alemán (Herzog y Fassbinder), junto a Godard y Spielberg (entre otros) en Habitación 666, donde se elocubra y discute sobre la posibilidad de que la llegada (inmimente) del vídeo supusiese el revulsivo definitivo que daría al traste la industria cinematográfica convencional.

Dentro de esta línea documentalista hay que anunciar que su último proyecto se encuentra en estos momentos en posproducción. Con Pina quiere acercarse (y rendir homenaje) a la figura de la reputada coreógrafa alemana Pina Bausch, fallecida hace casi un año tras una larga enfermedad. Una muerte repentina, que hizo que el rodaje se paralizase durante un tiempo debido a la enorme amistad que existía entre ambos artistas. La cinta cuenta con el aliciente de estar rodada en 3-D, ya que en palabras del cineasta “sólo este formato le rinde honor a la artista”.

La sopa de miso se empezó a fraguar en 2008, tras cerrarse la 61 edición del festival de Cannes, donde se le concedió 8 millones de dólares al realizador alemán para llevar a la gran pantalla la novela (anteriormente citada) de Ryu Murakami. Se sabe que todas las localizaciones de la película están situadas en Tokio, además que el film hablará tanto inglés como japonés. Wenders además cuenta con la participación del actor Willem Dafoe; cerca de 17 años separan a ambos del último trabajo realizado juntos, Tan lejos, tan cerca. Como viene siendo habitual Neue Road Movies (productora creada por el realizador alemán) se encarga del proyecto, junto a Cine @, F Comme Film, Films Distribution y Green Sky Films.
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domingo, 25 de abril de 2010

Campanella, un horizonte en 3D


A Juan José Campanella le corresponde el mérito de que 938.979 espectadores acudieran al cine a ver una coproducción hispano-argentina, El secreto de sus ojos, una película que aún hoy, exactamente siete meses después de su estreno, podemos encontrar en algunas pantallas españolas. Superar esta hazaña es difícil, pero hacerlo con una película de animación con acento argentino es una provocación que sólo él, con un Oscar en la mano y otros 36 premios nacionales e internacionales en su haber, puede permitirse. Su ambicioso proyecto se estrenará en nuestro país con el nombre de Futbolín, y tiene el aliciente de ser la primera película de animación 3D en la historia del cine argentino.

Con El hijo de la novia se abrió pasó en el difícil mercado norteamericano logrando una nominación a los Oscar en la categoría de Mejor Película Extranjera, un reconocimiento que supondría el comienzo de una excelente relación con EE.UU., donde ha participado en series como Ley y Orden: Unidad de Víctimas Especiales, El Guardián o House. Después, con Luna de Avellaneda, consiguió que su nombre siguiera sonando con fuerza en distintos festivales internacionales, como el Festival Internacional de Cine de Montreal. La serie Vientos De Agua le hizo probar el sabor del fracaso en España, donde la guerra de audiencias entre Telecinco y Antena 3 y los continuos cambios en la parrilla, se manifestaron en unos discretos índices de audiencia a pesar de la indudable calidad de la producción. Y después El secreto de sus ojos, la película que le dio el Oscar, 34 premios y 17 nominaciones más a este argentino cuyo nombre no hemos parado de escuchar en los últimos meses.

Una impecable carrera que ahora se ha propuesto coronar con Futbolín, la historia de unos jugadores de madera separados por un desguazador que lucharán por reencontrarse para seguir compartiendo su pasión por el fútbol, el deporte rey de Argentina. Una idea en la que Campanella lleva trabajando dos años junto a Eduardo Sacheri, el autor y coguionista de El secreto de sus ojos, muy popular en Argentina gracias a sus pegadizos relatos futboleros difundidos en el programa Todo con afecto de Radio Continental y en libros como Esperándolo a Tito y otros cuentos de fútbol.

La recaudación de El secreto de sus ojos, que sólo en España ha alcanzado los 5.798.189 euros, ha permitido a Campanella sumergirse en proyectos que hace unos años estaban fuera de su alcance. Entre ellos, Futbolín, una película de animación 3D que ha sido presupuestada en 9,4 millones de dólares y cuyo estreno está previsto para el 2012, año en el que se convertirá en la primera película argentina de estas características y en el primer título de animación para un director que nos tiene acostumbrados al melodrama.

Su para muchos desconocida afición por el 3D le viene de lejos, concretamente de 1995, año en el que se estrenó Wings of courage, la primera producción de ficción de acción real distribuida en tres dimensiones en una sala IMAX. El director ya ha manifestado que el 3D le parece “más potente en las cosas íntimas que en las escenas espectaculares porque parece que estás sentado en el escenario de un teatro con los actores”, a lo que ha añadido una prometedora predicción del futuro de esta tecnología: “dentro de 10 años hacer una película en 2D va a ser una decisión creativa, como hoy lo es el blanco y negro”.

La película, actualmente en fase de preproducción, será de nuevo una coproducción hispano-argentina y buscará corregir un error que, en opinión de Campanella, tiñe la mayor parte de las producciones hollywoodenses, el insuficiente peso de la historia que, según el director, "se pierde por el camino de la tecnología”.

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El "secuestro express" según Miguel Ángel Vivas


Secuestrados, el último film de Miguel Ángel Vivas se encuentra en estos momentos en plena fase de producción, enclavado el rodaje en un chalet de Las Rozas. El realizador sevillano retoma el camino del thriller para acercarnos, de forma cruda y realista, los dramáticos momentos que vive una familia sumida en lo que comúnmente se conoce como ‘secuestro express’; retenida así contra su voluntad por una organización mafiosa del este.

Con Reflejos, pudimos apreciar las buenas dotes de este director para abordar el género de forma innovadora y acertada, con una referencia clara del cine negro de los años cincuenta. Un reconocido trabajo que le llevó a ganar la primera edición del concurso Ópera Prima en 2002; coproducido, entre otros, por Antena 3 Televisión, Vida Digital y Ensueño Films y en el que participaron actores de la talla como Emilio Gutiérrez Caba o Georges Corraface.

Con este nuevo film asistiremos, en primer término, a la violencia desatada por parte de un grupo de secuestradores del este y al terror de una familia a quienes someten, en el transcurso de una noche, a todo tipo de vejaciones hasta hacerse con todas las propiedades de la casa. Un fenómeno agresivo que además de estar presente en amplias zonas del este de Europa, toma especial virulencia en Latinoamérica, donde en muchas ocasiones el desenlace es trágico. Para dar vida a esta prometedora cinta, Manuela Vellés (Camino; Lo siento, te quiero) se encarga de encarnar a la hija aterrorizada de la familia completando a continuación el reparto los actores; Fernando Cayo (Mataharis, El Lobo), que actúa como padre; y Ana Wagener que hace el papel de madre, y a quien muy pronto podremos ver en Biutiful, la última película de Iñárritu.

Se trata de una coproducción entre la productora francesa La Fabrique 2; la madrileña Blur Producciones y la gallega Vaca films. Esta última dirigida por Emma Lustres, quien recientemente ha sido galardonada en la última ceremonia de los Goya, a la mejor dirección de producción por su trabajo en Celda 211. Según hemos podido conocer, para ella el rodaje se ha iniciado de forma caótica debido no sólo a la complejidad técnica y formal que requerían los planos (determinados en la orden de rodaje de ese día); sino a los continuos cambios de luz generados por la alternancia constante entre nubes y claros, dando al traste el racord y obligando a posponer determinados planos para el día siguiente.




Juan Manuel Nogales, de TwinPines, se encarga de toda la labor de posproducción del film. Profesional del sector y experto en incluir efectos visuales, posee a sus espaldas una amplia y reconocida trayectoria por haber trabajado, por ejemplo, en Oviedo Express o más reciéntemente en El baile de la victoria. En esta ocasión, su misión (además de las labores propias de posproducción) se centra en: caracterizar a los personajes mediante maquillaje y prótesis; generar sangre digital en momentos puntuales; lograr una máxima efectividad en los golpes de especialistas, generando a posteriori objetos contundentes contra los que se golpean (sustituyendo así, y de forma digital, a los endebles objetos empleados en el momento del rodaje).
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domingo, 18 de abril de 2010

Carlos Saura retoma el mundo del folklore con "Flamenco, flamenco"


Flamenco, Flamenco es la nueva propuesta del director de cine Carlos Saura. Un total de casi cuarenta películas sirven para dar cuenta de la virtud camaleónica del realizador aragonés, capaz de atreverse con multitud de géneros distintos sin perder un ápice del halo mistérico y personal que rodean a todas y cada una de sus producciones.

Aquel estudiante de la escuela de cine que pronto descubriría su gusto por la dirección (y al mismo tiempo su irrevocable incapacidad para escribir guiones), que sentó las bases de un nuevo cine español (inaccesible para muchos) centrado en profundizar en la psicología de unos personajes que desbordaban costumbres arraigadas; marcados inexorablemente por la historia, y por una intrínseca relación con los objetos que habían sido partícipes en su vida y que definen sus recuerdos; comenzó a dar sus primeros pasos con las prácticas Una tarde de domingo o Cartas desde Sanabria pero, paradójicamente, no iniciaría oficialmente su carrera dentro del mundo de la ficción sino explorando el documental puro y duro; así lo atestigua Cuenca: ópera prima que daría el pistoletazo de salida a una de las carreras más proliferantes y brillantes del cine español que incluiría importantes reconocimientos en festivales internacionales europeos como el de Cannes o Berlín.

Una larga trayectoria que hasta el día de hoy sigue facturando títulos, donde ahora, y tras su aparición en el Festival de Cine de Málaga con Io, Don Giovanni vuelve a resurgir el Saura más apegado por los gustos folklórico/culturales nacionales con Flamenco, flamenco, que se encuentra en estado de postproducción con vistas a ser estrenada el próximo septiembre. Un terreno, además, del que no se le puede considerar un desconocido a tenor de su aproximación en esta temática con Sevillanas, Carmen o Flamenco.

Seis semanas de rodaje durante los meses de octubre y noviembre en el Pabellón del Futuro de la Expo92 de la Isla de la Cartuja, han servido a Carlos Saura para plasmar la esencia vital del film; consistente en un recorrido a través del ciclo de la vida de un ser humano haciendo uso de los diferentes estilos englobados dentro del arte flamenco. De esta forma encontramos la nana flamenca unida al nacimiento o el cante serio, focalizado para edades más avanzadas.Un importante número de artistas consagrados dentro del flamenco han participado en el filme; Sara Baras, Niña Pastori, José Merce o Farruquito; dando salida, por su parte, a jóvenes promesas como Miguel Poveda o Dorantes que pronto despuntarán sobre los tablaos flamencos más prestigiosos.

En el plano técnico resulta necesario destacar el trabajo del legendario director de fotografía italiano
Vittorio Storaro (Apocalypse Now, Novecento, El último tango en París), cuya presencia muy presumiblemente atestiguará lo que será una imagen cargada con un fuerte carácter psicológico. Una producción de la que se ha encargado en su totalidad la empresa sevillana General de Producciones y Diseño GPD, volcada con el mundo del arte y el espectáculo.
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lunes, 12 de abril de 2010

Manoel de Oliveira, infatigable


El longevo director de cine luso, Manoel de Oliveria, se encuentra en estos instantes terminando el rodaje de lo que será su nueva película, El extraño caso de Angélica. Tras el estreno hace unos meses de su último trabajo, Singularidades de una chica rubia, Oliveira deja así constancia de su incansable voracidad cinéfila que le permite, año tras año, firmar una nueva producción.

Con El extraño caso de Angélica, nos sumimos en un atípico drama circundado por el amor, la muerte y la belleza, que narra la llegada de un fotógrafo a un pueblo vinícola portugués, a quien le encargan retratar (instantes después de su repentino fallecimiento) el cuerpo sin vida de una joven víctima de un embarazo extrauterino.

A sus 101 años es considerado como el director con más trayectoria en la industria del cine. Le avala una carrera que se antoja envidiable a la par de inabarcable, que arranca con una primera aparición (fugaz) de la mano de Rino Lupo en una de sus películas mudas; o una participación en Una canción de Portugal, la segunda película hablada portuguesa.

El guión de El extraño caso de Angélica se remonta al año 1952, fecha en la que Oliveira terminó de escribirlo motivado por la muerte de una prima de su mujer, quien él mismo se encargaría de fotografiarla una vez fallecida. Los problemas de dar salida a un proyecto con estas dimensiones chocaron de forma inexorable con las imposiciones que llegaban de censura, ya que nos situamos dentro de un contexto enmarcado por la dura dictadura de Salazár.

Para el papel de Angélica, Oliveira ha decidido contar con la española Pilar López de Ayala, que en lo que va de año ha trabajado junto a
Gustavo Taretto en el drama argentino Medianeras y en Lope, de la realizadora brasileña Andrucha Waddington, donde se profundiza en la vida y obra de uno de los escritores más significativos del siglo de oro español. Por otra parte el portugués Ricardo Trepa repite con el director luso tras su participación en Singularidades de una chica rubia, dando vida al fotógrafo Isaac.

Oliveira cuenta de nuevo a la producción con Luis Miñarro (Eddie Saeta), en una coproducción que se completa con François d'Artemare (Films do Tejo). En próximas semanas comenzará la postproducción, que se llevará a cabo en Barcelona.
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domingo, 11 de abril de 2010

Cuarto paso de Sofia para alejarse de Coppola


Hace ya siete años, a Sofia Coppola le dio buen resultado encerrarse en un hotel para rodar su loada Lost In Traslation, un film con el que logró que su nombre dejara de verse ensombrecido por su apellido. Tal vez por eso haya decidido repetir experiencia en aquello de trabajar en alojamientos de lujo, ambientando su nueva y cuarta película como directora en el emblemático Chateau Marmont de Hollywood. Su título en inglés, y probablemente en español, será Somewhere, y aunque aún no hay fecha exacta para su estreno, la película está casi lista para su lanzamiento en los próximos meses.

Como ya hiciera en sus anteriores trabajos, Las Vírgenes Suicidas, María Antonieta y la mencionada Lost In Traslation¸ Sofia Coppola no sólo es responsable de la realización del filme sino de su propio guión, una vez más, un drama con tintes de comedia que narra la historia de Johnny Marco, un actor al más puro estilo hollywoodiense que sobrevive en un mundo de excesos y malas costumbres en medio del Chateau Marmont. Una vida frenética que se verá convulsionada por la repentina aparición de su hija de once años, quien le obligará a enfrentarse a los miedos de los que lleva huyendo toda la vida.

Una idea tan sencilla en apariencia como la que dio luz a Lost In Traslation, pero con una diferencia clave en su reparto: si aquella contó con la irreemplazable presencia de Bill Murray (nominado al Oscar por encarnar brillantemente a Bob Harris) y Scarlett Johansson, esta tendrá a Stephen Dorff y a la jovencísima Elle Fanning, hermana de la también actriz Dakota Fanning, como protagonistas. Aunque él cuenta con más de 30 películas en su haber desde su debut en 1987 en The Gate, es conocido por sus papeles en títulos de acción, sobre todo por dar vida al vampiro Deacon Frost en Blade; y ella, a sus 12 años, ha sido nominada a los Young Artist Awards por sendos trabajos en Papá Canguro y Babel.

Focus Features, la productora de cine independiente división de Universal Studios con la que ya trabajó en Lost In Traslation, respalda de nuevo a Sofia Coppola en un trabajo rodado en localizaciones del Chateau Marmont e Italia, y que tiene la difícil tarea de alcanzar el buen sabor de boca que dejaron sus predecesoras a excepción de Maria Antonieta, que no terminó de convencer a la crítica aunque sí logró un Oscar en la categoría de Mejor Diseño de Vestuario.

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El artista Martín Sastre prepara su ópera prima


Desde el pasado 15 de marzo, el artista Martín Sastre se encuentra rodando la comedia musical Miss Tacuarembó, entre los países de Uruguay y Argentina; este musical supone su primera incursión como realizador cinematográfico, donde además se encarga del guión. La duración del rodaje se prevé hasta finales de abril y entre los papeles principales destacan el de la actriz argentina Natalia Oreiro, conocida por ser la principal representante del mundo de la telenovela de aquel país. Rossy de Palma, Alejandro Tous, Graciela Borges y Jeannette Rodríguez completan, entre otros, el reparto.

Martín Sastre está considerado como una de las figuras más representativas del panorama artístico latinoamericano actual, con importantes galardones a sus espaldas; como el Premio ARCO de la Comunidad de Madrid para jóvenes artistas en 2004, o el Premio Faena de Arte Lationoamericano conseguido en el año 2008. Creador polifacético, destacan sus trabajos en escultura, fotografía y dibujo siendo el videoarte la disciplina que más reconocimientos ha cosechado hasta el momento.

La cinta relata cómo Natalia, profunda enamorada de las telenovelas que crece con la mítica Cristal, cree que tras alzarse con el galardón de Miss Tuacarembó, el mundo del espectáculo se va a rendir a sus pies. Un sueño que se verá frustrado con el paso de los años, al conseguir únicamente trabajo como cantante y animadora en Tierra Santa, un parque temático dedicado a Cristo en Buenos Aires . Sin embargo, un reality televisivo le dará otra nueva oportunidad para alcanzar su meta soñada y triunfar en el mundo del espectáculo. Sofía Silvera fue la elegida entre mas de 700 niñas que competieron duramente en un casting online, para encarnar a Natalia de niña:



Se trata de una coproducción con participación argentina (Royal Cinema Group y Dida Film); uruguaya (Oriental Films) y española (Cool Shoot). Hace pocos días se nos informaba sobre el estado actual del film, el cual había alcanzando el ecuador de su filmación. Una película que verá la luz a lo largo de los meses de verano en Argentina y Uruguay, y muy posiblemente en septimbre aquí en nuestro país.

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Fresnadillo retoma el thriller psicológico con "Intruders"


Juan Carlos Fresnadillo está a punto de sumergirse en el que será su nuevo trabajo cinematográfico, Intruders, cuyo plan de rodaje sitúa las localizaciones entre Londres y Madrid. De nuevo el realizador tinerfeño quiere profundizar en el poder de la mente, en el insconciente, cimentando su cinta bajo un thriller psicológico que, a estas alturas, podemos considerar género fetiche para él.

Hace unos años saltó del anonimato a las más altas cotas de popularidad con su ópera prima Intacto, que le valieron dos premios Goya: Mejor Director Novel y Mejor Actor Relevación (Leonardo Sbaraglia). La película supuso una importante bocanada de aire fresco para un cine español abandonado, que rezumaba por aquel entonces (y lo sigue haciendo a día de hoy) cierta debilidad por manidos argumentos pseudocómicos, banales, sin lograr mayor efectividad que un profundo hastío (largo y continuado) tanto del público como de la crítica; que en estos momentos persiste, a pesar del intento de disimulo por parte de directores, guionistas y productores que pretenden garantizar el éxito de sus productos con actores que provienen del mundo de la ficción televisiva.

Intacto, además, contaba con el aliciente de recuperar a una leyenda viva del cine clásico sueco, comprometido éste con los aspectos más trascendentales que supone la búsqueda de sí mismo y de Dios: Max Von Sydow (actor habitual del cine de Ingmar Bergman) adornaba una producción auspiciada, en su núcleo, por un fuerte componente superrealista; más allá de cualquier alcance lógico racional donde el azar o la suerte, estructuraba un film nada convencional, con un planteamiento que en principio se antojaba difícil de abordar pero que, conforme iban pasando los minutos, su accesibilidad y su soltura narrativa presentaban un producto accesible. Ya posteriormente con 28 Semanas Después, Fresnadillo reelaboraría el concepto del film antecesor, tras cederle el testigo Danny Boyle, alcanzando cimas hasta ahora inexploradas del cine de ciencia ficción, permitiendo que las miradas de la crítica internacinal fijarán su atención en el talento innato del tinerfeño.

Aún quedan por desvelar un importante número de interrogantes que conciernen a Intruders, que según su director "es un proyecto ambicioso y muy personal que reivindica mi amor por el universo visual que nace de lo más oculto, de los fantasmas que están enterrados en nuestro inconsciente". Como ya sucediese en 28 Semanas Después, Enrique López Lavigne se encarga de la producción, quien financiará la película junto a Belen Atienza a través de la novicia productora Apaches Entertainemnt. Empresa cinematográfica que surge en febrero del pasado año y que, a pesar de su juventud, está trabajando con las figuras más representativas del cine español actual, destacando: Juan Antonio Bayona (The Imposible), Nacho Vigalondo (Los Cronocrímenes) o Eduardo Chapero Jackson, ganador del mejor corto, hace dos años, en los Premios del Cine Europeo. El guión lo suscriben el reciente finalista al premio Nadal de este año por Cazadores de luz, Nicolás Casariego, y Jaime Marques.

Sin lugar a dudas uno de los atractivos con los que cuenta la producción es, además, la participación del actor norteamericano Clive Owen (Closer) y la del joven actor catalán Daniel Brühl, que recientemente recibió el premio del Sindicato de Actores como Mejor Actor de Reparto por Malditos Bastardos.
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domingo, 21 de marzo de 2010

Compleja postproducción del “Biutiful” de Iñárritu



Alejandro González Iñarritu se separa por primera vez del guionista Guillermo Arriaga para escribir y dirigir Biutiful, un proyecto anunciado en 2008 que llegará a la gran pantalla a finales de 2010, casi dos años después de que finalizara su rodaje en Barcelona.

Su larga fase de postproducción encuentra su explicación en la complejidad que caracteriza la edición de las cintas del director mexicano, algo que él mismo ha confirmado: La película tuvo, evidentemente, un grado de complejidad altísimo, una exigencia de la excelencia en cada uno de los 27000 cuadros que conforman esta película y eso requiere un esfuerzo sobrehumano emocional y físico”.

El filme, responsable de que al poner “biutiful” en Google el buscador no nos ofrezca ninguna corrección, es una coproducción internacional entre México y España en la que también ha participado RTVE, y cuyo guión, por primera vez en una película de Iñárritu, no está escrito por Guillermo Arriaga, prolífico guionista responsable de títulos tan exitosos como Amores Perros, 21 Gramos o Babel.

Iñárritu se enfrenta por primera vez a la doble dificultad de dirigir y escribir un guión que ha contado con dos colaboraciones, la de Armando Bo y Nicolás Giacobone, pero que se desarrolla completamente a partir de una idea original del director. Una historia que como él mismo ha señalado manteniendo el misterio de su argumento, “es muy intima, absolutamente personal, pero perfumada con una situación política y social muy interesante incluso a nivel mundial y creo que esto la puede hacer muy atractiva”.

Historia de interés mundial que cuenta con un reparto esencialmente español encabezado por Javier Bardem, que dará vida a Uxbal, el protagonista del filme, y otros importantes actores nacionales como Blanca Portillo, Eduard Fernández, Rubén Ochandiano o Félix Cubero.

Aunque aún no existe fecha confirmada para su estreno, podría presentarse en mayo en el Festival de Cannes, el lugar perfecto para conseguir la proyección internacional que Iñárritu busca siempre para sus películas.

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Mitch Glazer, en postproduccion con "Passion Play"


Desde el pasado mes de enero, Nuevo México ha sido el lugar elegido por Mitch Glazer para rodar Passión Play, su primera incursión como director de largometrajes, tras dar el salto desde el mundo del guión. El guionista de La prueba o Grandes esperanzas (dirigido por Alfonso Cuarón y protagonizado por Ethan Hawke y Gwyneth Paltrow) pretende sorprender a la crítica mostrando, además, sus cualidades como realizador.

Alburqueque y Santa Fé (Nuevo México) fueron los enclaves principales de un film que contará con la atractiva presencia de Megan Fox y un incombustible Mickey Rourke que, tras ser resucitado y llevado a lo más alto por Darren Aronosfky en El Luchador ganando el Globo de Oro como mejor actor, premio que repitió en los BAFTA y en los Independent Spirit Awards, sus trabajos en cine se están multiplicando. Prepara en estos instantes la quinta secuela de Rambo, además de Broken Horses o Dawn of War entre otras, teniendo en cuenta que en mayo se estrena su última trabajo terminado: Iron Man 2.

Ambientada en los años 50, el film se antoja como un thriller personal, donde Mickey Rourke da vida a un trompetista anulado por los muchos problemas que arrastra, que encuentra su salvación al cruzársele en su vida un ángel (Megan Fox) a quien arrancará de las manos de un peligroso gángster. Los veteranos Kelly Linnch y Bill Murray cierran un plantel de actores que se presenta, cuanto menos, brillante.

Actualmente la película se encuentra en fase de posproducción. Destaca el importante número de compañías que se encuentran detrás de esta primera producción de Mitch Glazer. Annapurna Productions y Fixed Point Films coproducen el film, contando con un presupuesto de 19 millones de dólares. Por otra parte la compañía de efectos especiales Legacy Effects que, entre otros trabajos, se ha encargado del maquillaje en Alicia en el país de las maravillas; de la creación de escenarios en Shutter Island o de crear los trajes en Iron Man 2; ha puesto en marcha los animatronics presentes en la película.

La posproducción la lleva enteramente Io Films , quien ya se encargase de la transformación en digital de las películas Resident Evil o Crash, utilizando para ello el proceso del intermediate digital. Otras empresas como Dolby Laboratories (mezcla se sonido), EMS Payroll o Pictorvisión han puesto su granito de arena en el filme.
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El retorno de “La novia” ya no es un rumor



Cuando en el estreno de Kill Bill Vol. 2 en 2004 Quentin Tarantino declaraba que “dentro de quince años haré la tercera parte de la saga”, sus fans se echaron las manos a la cabeza. Pero el tiempo pasa volando, y seis años después el director y dos de sus actrices han reafirmado aquellas declaraciones.

El primero en reabrir los rumores sobre el futuro de la saga fue el propio Tarantino, que exclamaba en una entrevista concedida a un programa emitido por la cadena italiana Rai Tre que “¡La novia luchará de nuevo!” (VER VIDEO). Y como era de esperar, los periodistas de medio mundo se lanzaron a la caza y captura de otras declaraciones que dieran credibilidad a las palabras del director, entre ellas, las de la mismísima Uma Thurman, la inolvidable Beatriz Kiddo, en definitiva, “La novia” de la saga.

Aunque la actriz no ha querido desvelar nada sobre la trama, MTV NEWS ha recogido sus concisas pero suficientes palabras al respecto: “Él todavía no ha terminado el guión y no sé si lo ha empezado a escribir, pero tengo algunas nociones de varias de sus ideas y son realmente buenas”.

Por otra parte, la actriz que dio vida a uno de los pocos personajes que consiguen sobrevivir a la masacre de la Mamba Negra, Daryl Hannah, también ha alimentado las ilusiones de los fans de Kill Bill con sus declaraciones a Film24, donde desvela que volverá a meterse en la piel de Elle Driver incluso sin su ojo perdido en combate: “Siempre hubo una tradición de samuráis ciegos y pocas veces ha sido explorada en otras películas”.

Y así, con estas escuetas declaraciones y con posible fecha de estreno en 2014, las conjeturas sobre el posible argumento de Kill Bill Vol. 3 no han tardado en aparecer en foros y webs. Hasta el momento, la trama con más peso es la de la venganza de Nikki, la hija de Vernita Green, que con sólo 4 años veía en la primera entrega de esta futura trilogía como su madre se convertía en la primera víctima de la Mamba.

Tendremos que esperar para descubrir si estas palabras de “La novia”, “No era mi intención hacerlo delante de ti, lo siento mucho, pero créeme, tu madre se lo merecía. Cuando crezcas, si sigues estando furiosa por esto, te esperaré”, encuentran su sangrienta respuesta.
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Martín Cuenca trabaja ya en su nuevo thriller


Manuel Martín Cuenca se encuentra en Almería preparando lo que será su nuevo trabajo, La mitad de Óscar. De momento, hasta lo que hemos podido conocer sobre la producción, el reconocido realizador almeriense por Hombres sin mujeres o La flaqueza del bolchevique, regresa con un thriller cargado de reencuentros aderezado con una buena dosis de tintes dramáticos.

La dos veces nominada a los premios Goya, Verónica Echegui, encarna a María que regresa tras llevar varios años desaparecida de su hogar al conocer la muerte de su abuelo. Acompañada además por un nuevo novio francés, la familia conocerá durante el transcurso del entierro los motivos que provocaron su huída. Sus papeles como joven despendolada en Yo soy la Juani; y su participación en El patio de mi cárcel, donde encarnaba a una atracadora incapaz de llevar una vida normal fuera de la cárcel, le han valido (hasta el momento) a la actriz madrileña dos candidaturas a los premios Goya: mejor actriz de reparto y mejor interpretación femenina protagonista respectivamente.

Completan el reparto Antonio de la Torre: ganador del Goya en 2006 como mejor interpretación masculina de reparto por AzulOscuroCasiNegro, quien recientemente ha vuelto a estar bajo la tutela de Daniel Sánchez Arévalo por Gordos; Rodrigo Saénz de Heredia (La buena nueva) que da vida al hermano de María y Manuel Martínez. Finalmente Denis Eyrei y Manuel Martínez cierran el núcleo de los actores principales.

El plan de trabajo sitúa las localizaciones del film en un espacio privilegiado, Almería capital y su entorno único, conformado por el Cabo de Gata, la Playa de los Genoveses y La Isleta. Con un presupuesto de 1.300.000 euros, asistimos a una coproducción entre La Loma Blanca Producciones Cinematográficas, el ICAI (Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos) y 14 Pies Audiovisual. Cerrando el círculo hay que destacar la presencia de un productor francés que posibilitará la distribución de la película en territorio galo.

Con un apoyo económico más que notable de la Diputación de Almería, el Ayuntamiento de la ciudad y el Patronato de Turismo (que asciende a 80.000 euros sobre el proyecto), supone para el gobierno de la provincia una apuesta cultural interesante y atractiva para enseñar los encantos de Almería.
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martes, 16 de marzo de 2010

Entrevista a Carlos Losada, ex vocal del ICAA


Carlos Losada es un auténtico freelance del audiovisual. Siempre en contacto con el mundo del cine y de la televisión, ha desempeñado diversas funciones en el ámbito del doblaje y subtitulado de películas, en la producción, en la crítica cinematográfica, e incluso ha participado como jurado en festivales tales como el Festival de Cine de Huesca o la Semana en Color de Barcelona.

Pero lo que más nos interesa por su relación con el contenido de este blog es su labor dentro del ICAA, donde ha trabajado como miembro del Comité de Expertos, y desde 1983 hasta 2008, como miembro activo de la Comisión de Calificación del mismo organismo. Una película debe pasar una importante fase antes de ser estrenada, la calificación, tan importante que puede impedir su estreno, como ha ocurrido recientemente con Saw VI. ¿Quién está detrás de tan importante decisión?


P.- Hola Carlos, después de tantos años dentro de la Comisión de Calificación del ICAA debes conocer al milímetro la mecánica de trabajo dentro del grupo...

R.-
Efectivamente. La mecánica consiste en ver la película y cada uno escribe su opinión sobre la misma, si es para todos los públicos, 18, X, 13, 7 o para lo que sea. ¿En qué se basa esto? Yo creo que en una cosa, y es mi opinión personal: en el sentido común. En el sentido común y en lo que tú de niño veías en el cine.

P.- ¿Qué tenéis en cuenta para hacer esta valoración?

R.-
Hoy tenemos el agravante de la televisión. Antes, en los años 50, la televisión era escasísima; hoy nos supera. La prueba es que la gente se queda en sus casas viendo las películas en la tele y no va a verlas al cine. Entonces, a la hora de calificar una película, para 7, para 13 o para todos los públicos, tiene que influirte (a mí me influye) lo que se ve en televisión. Es decir, yo no puedo prohibirle a un niño nada, de hecho no hay nada prohibido, es todo sugerencia. Lo único que prohibimos son las películas de máxima violencia y de sexo explícito, es decir, las pornográficas. Pero si estamos viendo en televisión los acontecimientos que nos ocupan todos los días y se emite una película de guerra, aunque no sea muy explícita, no la puedes poner para 13 porque lo está viendo un niño a las tres de la tarde. Ya sé que tienen que ir al cine, pero los padres deben saber por el título de la película lo que van a ver. Nosotros sólo ofrecemos una orientación.

P.- Recientemente hemos asistido a una fuerte polémica en torno al estreno de la última película de la saga Saw, que fue calificada por el Comité en el que has trabajado durante años como X. Aunque tu ya no formabas parte del mismo cuando se tomó esta decisión, pudiste vivir un caso similar con la película Mortadelo y Filemón, que recibió muchas críticas de los padres porque fue calificada para 13 años a pesar de ciertos contenidos adultos. ¿Qué opinión te merece este hecho?

R.-
Yo creo que lo de Mortadelo y Filemón tiene una doble lectura; por un lado, evidentemente, es un filme basado en un cómic que como todos sabemos ha sido leído por niños. ¿Por qué protestan los padres cuando ven la película? Está claro que la imagen en movimiento es más explícita que la dibujada, pero aún así no lo entiendo. Evidentemente, la calificación no fue unánime, yo por ejemplo le di 7, sencillamente, porque pensaba que los más pequeños no entenderían ciertas cosas. Pero al final se calificó para todos los públicos con el apoyo de la Dirección General del ICAA.

P.- La decisión última debería estar por tanto en el espectador...

R.-
La gente ve el letrero que indica que la película es para todos los públicos y va corriendo sin mirar nada más. ¿Qué pasa, que por que diga el Ministerio que es para todos los públicos ya no hay que preocuparse por nada más? Entonces, si la película es para 18 años, los padres evitarán que sus hijos vayan a verla, ¿no? No está prohibida, esta no recomendada, ¿se molestan en eso? Si esta labor fuera compartida, se evitarían las polémicas que estamos viviendo en los últimos años.
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